Wir schaffen das Unmögliche und erstellen eine Rangliste unserer 30 absoluten Lieblingssongs von Bob Dylan.
Auch wenn wir schon dachten, dass die Rangfolge der besten Songs der Beatles eine knifflige Aufgabe sei, ist das doch nichts im Vergleich zur Auswahl der besten Songs von Bob Dylan .
Die Beatles veröffentlichten in ihrem atemberaubenden Jahrzehnt nur etwa ein paar hundert Songs und ein Dutzend Studioalben. Bob Dylan hingegen veröffentlichte in seiner über sechs Jahrzehnte andauernden Karriere etwa sechshundert über 40 Alben.
Wir haben Bobs einschüchternden Backkatalog auf nur 30 Songs reduziert und daher notwendigerweise ein paar Dutzend Meisterwerke weggelassen.
Trotz einiger Auslassungen, die uns das Herz gebrochen haben, sind wir dennoch sehr zufrieden mit dem, was uns geblieben ist
Der schändlichste Mord
Unabhängig davon, ob es sich technisch gesehen immer noch um seine Never Ending Tour handelt oder nicht , ist Bob Dylan seit Jahrzehnten ununterbrochen auf Tour.
Er hat seine Fans auch mit einem Mix der wunderbaren Bootleg Series-CDs bei Laune gehalten und Mitte der 2010er Jahre drei Coveralben veröffentlicht (das dritte davon war ein DREIFACH-Album).
Einige befürchteten, ein Künstler, der vor allem als Songwriter bekannt ist, hätte einfach mit dem Schreiben aufgehört, doch 2020 veröffentlichte er „Rough and Rowdy Ways“ , sein erstes Album mit neu geschriebenem Material seit acht Jahren.
Den Auftakt der Sammlung machte das epische „Murder Most Foul“, das mit einer Länge von 16 Minuten und 56 Sekunden das längste Lied in seinem gesamten Katalog war.
Mit seiner üblichen Begleitband sowie Fiona Apple und Alan Pasqua ist das Lied über die Ermordung John F. Kennedys – ein Ereignis, das großen Einfluss auf Dylan hatte – eine unkonventionelle und bewegende Aneinanderreihung kultureller Referenzen.
Für immer jung
In den frühen 1970er Jahren schien Bob immer wieder auf der Flucht zu sein. Der schnelle Doppelschlager Self Portrait und New Morning sorgt bis heute für Diskussionen – insbesondere nach der Veröffentlichung der überarbeiteten Bootleg-Serie Another Self Portrait im Jahr 2013.
Dann folgten ein Soundtrack-Album, eine Kompilation und einige Outtakes, bevor Dylan 1974 für die Hitparade-Aufnahme „ Planet Waves “ zu einer von zig angeblichen „Rückkehrern zur alten Form“ zurückkehrte .
Die Schlüsselmomente des Albums sind die beiden Versionen von „Forever Young“: Die erste ist eine langsame Klage, mit der die erste Seite endet, die zweite ist eine schnellere Version, mit der die zweite Seite eröffnet wird.
Bob hatte das Lied offenbar schon seit einem halben Jahrzehnt in petto und wusste immer noch nicht, wie er es aufnehmen sollte.
Beide Versionen auf Planet Waves sind ausgezeichnet, aber die beste Version ist wahrscheinlich die abgespeckte Version mit der zerbrechlichen Stimme des damals 82-jährigen Bob auf dem Neuaufnahmealbum Shadow Kingdom aus dem Jahr 2023 .
Hurrikan
Bob trommelte 1976 die Bande der Rolling Thunder Revue zusammen, um das mitreißende Album „Desire“ aufzunehmen.
Neben den exzellenten Songs „One More Cup of Coffee“ und „Isis“ ist das Album vor allem für seinen stampfenden Opener „Hurricane“ bekannt.
„Hurricane“, gemeinsam mit Jaques Levy geschrieben, ist ein weitaus weniger indirektes Lied als so ziemlich alles andere in Bobs Katalog und erzählt die Geschichte der Inhaftierung des Boxers Rubin „Hurricane“ Carter wegen dreifachen Mordes.
Es wird viel dichterische Freiheit genutzt (Carter wäre zum Beispiel wahrscheinlich nie „Weltmeister“ geworden), aber die offensichtliche Ungerechtigkeit der scheinbaren Inhaftierung eines unschuldigen Afroamerikaners ließ Bob in fesselnder, feuriger Form erscheinen.
Carter wurde schließlich im Jahr 1985 freigelassen und seine Verurteilungen aufgehoben. Seine Geschichte wurde 1999 auch im Film „Hurricane“ verewigt .
Positiv 4th Street
Viel mehr als nur „Like a Rolling Stone Pt II“, obwohl es sich offensichtlich an seinem Vorgänger orientiert.
Eine nicht auf dem Album erschienene Single, eingekeilt zwischen Highway 61 Revisited und Blonde on Blonde, mit dem mysteriösen Titel „Positively 4th Street“ ist ein köstliches Stück bluesig-bitterer Stimmung („I wish that for just one time you could stand into my shoes / You’d know what a drag it is to see you“).
Es ist ein höhnisches Meisterwerk, das zeigt, dass Bob Dylan trotz der Veröffentlichung von drei der besten Alben aller Zeiten in 15 Monaten noch Musik übrig hatte.
Ich will dich
Nach „Bringing It All Back Home“ und „Highway 61 Revisited “ vervollständigte Bob Dylan seine Trilogie der Meisterwerke der Mitte der 1960er Jahre mit dem Doppelalbum „ Blonde on Blonde“ .
Ein weitläufiger, Genre-übergreifender Klassiker, dessen herausragendes Highlight das schwungvolle „I Want You“ war, das pure Lust („I want you so bad“) mit reimenden, wortreichen Bewusstseinsströmen („The cracked bells and washed-out horns/ Blow into my face with scorn“) vermischte.
Dich meine Liebe fühlen lassen
Bob Dylan ist nie wirklich verschwunden und seine treuen Anhänger sind ihm immer treu geblieben.
Dennoch gab es in den 1970er-Jahren (und 1980er-Jahren sowie Anfang der 1990er-Jahre) sicherlich Momente, in denen man den Eindruck hatte, dass seine Position als noch aktiver Songwriter in der breiten Öffentlichkeit zu schwinden begann.
Dann erschien 1997 „Time Out of Mind“ , ein Album, das ihn wieder ganz nach oben brachte.
Erstaunliche Lieder, raffinierte Produktionen und in der zweiten Hälfte eingebettet dieser echte moderne Standard.
Um seinen sofortigen Standardstatus zu unterstreichen, wurde ein Cover des Songs vor Bobs eigener Version veröffentlicht, wobei Billy Joels Version, leicht umbenannt in „To Make You Feel My Love“, aus seinem eigenen „ Greatest Hits Volume III“ einen Monat vor „Time Out of Mind“ als Single herauskam .
Die stattliche, schlichte Ballade wurde seitdem von allen gecovert, von Adele und Garth Brooks bis Michael Bolton, Boy George, Kelly Clarkson und Bryan Ferry.
Wenn nicht für dich
Nach der ungerechtfertigten Verrissung von Self-Portrait („Was ist das für ein Scheiß?“, begann Rolling Stone seine Rezension) erschien nur vier Monate später das besser aufgenommene New Morning . Die gesamte Dylan-Ära wurde 2013 mit der unglaublichen The Bootleg Series Vol. 10: Another Self Portrait (1969–1971) neu bewertet .
Doch schon vor diesem längst überfälligen Moment hatte sich „If Not For You“ von New Morning als Dylan-Klassiker etabliert. Als eines seiner Liebeslieder an Sara wurde es mehrfach aufgenommen, darunter eine Aufnahme mit seinem zukünftigen Bandkollegen bei Traveling Wilburys, George Harrison , im Jahr 1970, nur wenige Monate nach der Trennung der Beatles .
Diese Version wurde schließlich im Jahr 1991 auf The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) veröffentlicht , während Harrison im selben Jahr sein eigenes Cover für All Things Must Pass aufnahm . Am beliebtesten ist jedoch noch immer die charmante, Country-inspirierte Version von New Morning .
Visionen von Johanna
Blonde on Blonde hat eine Prise echter Epen. Drei der Tracks sind über sieben Minuten lang und nur drei davon enthalten „Visions of Johanna“, das zu Recht als einer der besten Songs überhaupt gefeiert wird.
Es wurden Artikel, Essays und vermutlich auch Bücher über den rätselhaften Text geschrieben, den Dylan offenbar im Chelsea Hotel verfasste, wo er mit seiner damals schwangeren Frau Sara wohnte.
Über die Texte hinaus soll Dylan der Band 14 Takes persönlich erklärt haben, um zu vermitteln, wie er es sich vorstellte, bevor sie es mit ein paar weiteren Takes verfeinerten. Es war die Mühe absolut wert.
Laiendame Laien
Schon in seinen frühesten Folk-Tagen war die Musik Bob Dylans immer von Country-Einflüssen geprägt, und dieser Anteil seines Sounds verstärkte sich, bis er 1969 mit dem Album „Nashville Skyline“ die Musik dominierte .
„Lay Lady Lay“ wurde für den Film „ Midnight Cowboy“ geschrieben, aber der Abgabetermin wurde knapp verpasst, und anscheinend wollte Bob die sexy, romantische Nummer („Lay, lady, lay/ Lay across my big brass bed“) im Duett mit Barbra Streisand singen .
Mit dem affektierten Country-Gesang des Albums wurde der Song Dylans vierter (und letzter!) Top-Ten-Hit in den USA, als er Platz 7 der Hot 100 erreichte.
Blind Willie McTell
Blind Willie McTell, geboren als William Samuel McTier, war ein unglaublich einflussreicher Blues- und Ragtime-Sänger und Gitarrist, der 1959 starb, kurz bevor Bob Dylan als Künstler auftrat.
„Und ich weiß, niemand kann den Blues so singen wie Blind Willie McTell“, singt Dylan in seinem Tribut, der 1983 aufgenommen, aber bis zur Veröffentlichung der The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) im Jahr 1991 im Regal blieb.
Der Titel basiert auf der Melodie des Klassikers „St. James Infirmary Blues“ und wurde von Mark Knopfler von den Dire Straits produziert , der auf dem Stück auch Akustikgitarre spielt.
Inspiriert von einer späteren Version des Songs, die The Band live spielte, fügte Dylan den Song nachträglich seinem eigenen Set hinzu und verlieh damit dem wohl besten seiner Bob-Dylan-Songs der gesamten 1980er Jahre noch mehr Glanz.
Meine Rückseiten
„Ich war damals so viel älter, heute bin ich jünger.“
Was seine Songtexte angeht, wird Dylan oft für die indirekte Poesie seiner Epen wie „Visions of Johanna“ und „Desolation Row“ gelobt, aber er besitzt auch ein großes Talent dafür, geschickte Einzeiler einzubauen.
(Über?) Als Absage an seine jüngste Vergangenheit als „Protestsänger“ interpretiert, ist „My Back Pages“ der am unmittelbarsten zugängliche Moment aus dem treffend benannten „ Another Side of Bob Dylan“ , das weniger politisch als seine unmittelbaren Vorgänger war und viel mehr als nur eine Brücke zwischen diesen Platten und der mit „ Bringing It All Back Home“ beginnenden Reihe darstellt.
Dylans Version ist ein wunderschöner, auf das Wesentliche reduzierter Akustik-Knaller, der ihn mit der voll ausgespielten nasalen Klagelaute der frühen Dylan-Ära aufwarten lässt, während die wunderbare Version der Byrds klimpernden Folk-Rock in Perfektion bietet.
Es wird heftig regnen
„A Hard Rain’s Gonna Fall“, eines der ersten Meisterwerke Bob Dylans, gehört stark zum volkstümlicheren, akustischen Teil seines Kanons, ist aber deswegen nicht weniger kraftvoll und wild.
Das Lied wird oft als Anspielung auf eine mögliche nahe Zukunft interpretiert, in der schwarzer Regen infolge radioaktiven Niederschlags die Oberhand gewinnen könnte („Wo Schwarz die Farbe ist, wo Keine die Zahl ist“). Es entstand einen Monat vor der Kubakrise und seine apokalyptischen Bedenken gingen offenbar darüber hinaus.
Es wurde am 6. Dezember 1962 in nur einer einzigen Aufnahme aufgenommen und sorgte zusammen mit dem Rest von The Freewheelin‘ dafür, dass Bob Dylan als Sprecher einer Generation gefeiert wurde, ein Etikett, das er satt hatte und das er fast sofort wieder abschütteln wollte.
„Hard Rain“ blieb jedoch Teil von Dylans Live-Repertoire, wobei er das Lied oft völlig umgestaltete, um es dem jeweils aktuellen Stil anzupassen. Besonders beliebt war die Version aus der Rolling Thunder Revue Mitte der 1970er Jahre.
Am Wachturm entlang
Wie auch immer man zur Debatte steht, ob Bob Dylan ein besserer Songwriter als ein besserer Interpret und vor allem Sänger ist (unsere Meinung? Er ist in beidem hervorragend), Fakt ist einfach, dass sein Original „All Along the Watchtower“ von Jimi Hendrix ‘ Monster-Cover völlig in den Schatten gestellt wurde.
Hendrix‘ Version ist in jeder Hinsicht elektrisierend und Bob hat dieses Arrangement oft bei Live-Auftritten verwendet, unter anderem bei seinem besonderen Konzert in der Rock and Roll Hall of Fame im Jahr 1995.
Das Vorgängeralbum von „Watchtower“, „John Wesley Harding“, markierte eigentlich Bobs Rückkehr zu einem reduzierteren, akustischen Sound nach seiner eigenen ersten elektrischen Phase, was seltsam erscheint, wenn man bedenkt, dass es die elektrische Version ist, die sich gehalten hat.
Und selbst/insbesondere wenn man Jimi völlig vergisst, ist Bobs Version wirklich etwas ganz Besonderes.
Zweieinhalb flotte Minuten mit Gitarre und Mundharmonika, wobei Dylans Stimme noch immer in Topform ist und gerade genug Krächzen hat, um die Emotionen rüberzubringen.
Jetzt ist alles vorbei, Baby Blue
„It’s All Over Now, Baby Blue“ ist ein weiterer Song von Bob Dylan, der ebenso wie das Original für seine hervorragenden und wichtigen Coverversionen bekannt ist.
Neben einem direkten Cover von Joan Baez sorgte auch die Proto-Garage-Version von Van Morrisons Them auf ihrem zweiten Album Them Again für Furore .
Die Byrds haben 1965 tatsächlich ein paar verworfene Takes aufgenommen, um sie als mögliche zweite Single in Betracht zu ziehen, aber ihre Country-Rock-Version auf dem Album „Ballad of Easy Rider“ hat den Test der Zeit mehr als bestanden.
Doch auch hier gilt, dass keines dieser Cover die Qualität von Bobs wunderschönem und herzzerreißendem Original schmälert, dessen Titel an „Baby Blue“ von Gene Vincent erinnert.
Schutz vor dem Sturm
Bob Dylan hat angeblich öfter „zur alten Form zurückgefunden“, als man zählen kann. Die Wahrheit ist, dass er trotz einiger Tiefs immer in der Lage war, einen klassischen Song herauszubringen, oder, Bob ist nun einmal Bob, ihn gelegentlich aufnahm und sich dann einfach nicht die Mühe machte, ihn zu veröffentlichen.
Vor diesem Hintergrund fällt es einem schwer, „ Blood on the Tracks“ aus dem Jahr 1975 nicht als eines der beeindruckendsten „Comeback“-Alben der Geschichte zu betrachten – und das, obwohl Leute wie Nick Kent und Jon Landau damals weniger beeindruckt waren.
Ein Trennungsalbum, das von der Trennung von seiner ersten Frau Sara inspiriert wurde. „ Blood on the Tracks“ ist wahrscheinlich Dylans bestes Album seit „Blonde on Blonde“ , das fast zehn Jahre zuvor erschien. Es ist bis heute eines seiner besten Alben.
Gegen Ende der Platte ist der musikalisch einfache, aber textlich dichte Strudel „Shelter from the Storm“ einer der herausragendsten Momente.
Ich bin es nicht, Baby
„It Ain’t Me Babe“ ist ein unkonventionelles Trennungslied, das vermutlich von seiner damaligen Ex und größten künstlerischen Vorbild Suze Rotolo handelt – sie ist auf dem Cover von „ The Freewheelin’ Bob Dylan“ zu sehen und klammert sich an ihn.
Darin werden all die Dinge beschrieben, die sich ein Mädchen von ihrem Mann wünschen könnte („niemals schwach, aber immer stark“ … „Jemand, der für dich sterben würde und mehr“), aber wenn es darauf ankommt, nun ja, nein, nein, nein, er ist es nicht, Baby.
Mit dem Abschluss eines Albums, das seinem Ruf als „Sprecher einer Generation“ geschickt aus dem Weg geht und kurz bevor er diesen völlig ablehnt, scheint es auch als ein Weg zu dienen, die Erwartungen seiner Fans und der Kultur im Allgemeinen abzuschütteln.
Meister des Krieges
Bob Dylan hat sich als Songwriter mehrmals direkt mit Hass und Ungerechtigkeit auseinandergesetzt, aber nie mit so viel Wut wie in „Master of War“ vom Album „Freewheelin‘“ .
Ja, es ist ein Mann mit seiner Akustikgitarre, und sicher hat er (ähem) die Melodie komplett vom alten Folk-Standard „Nottamun Town“ und dem 50er-Jahre-Arrangement dieses Songs von Jean Ritchie „ausgeliehen“, aber es sind Dylans Worte und seine feurige Darbietung, die „Master of War“ zu dem Klassiker machen, der es ist.
Dylan attackiert den militärisch-industriellen Komplex, der die Grundlage für die globale Kriegsmaschinerie bildet („Ihr, die ihr die großen Geschütze baut“). Er versichert ihnen, dass ihr Geld sie nicht vor der ewigen Verdammnis retten kann („All das Geld, das ihr verdient habt, wird euch niemals eure Seele zurückkaufen können“).
Am Ende wünscht Bob den Kriegstreibern nicht nur den Tod („Und ich hoffe, dass du stirbst / Und dein Tod wird bald kommen“), sondern schwört auch, den Sarg zu suchen, um sicherzugehen, dass sie weg sind.
Desolation Row
Mit einer Länge von 11 Minuten und 21 Sekunden ist das epische „Desolation Row“ nicht nur einer der längsten Songs von Bob Dylan, sondern einer der längsten Songs der Popmusik bis heute.
Worum es geht … nun, selbst das atzweise zu entschlüsseln würde mehr Worte erfordern, als wir in dieser ganzen Liste haben.
Es handelt sich um eine Abfolge scheinbar zusammenhangloser Vignetten, die auf eine Art und Weise zusammengestückelt sind, die sich jeder Erzählung entzieht.
Der Film beginnt mit einer Lynchjustiz („Sie verkaufen Postkarten von der Hinrichtung“), gefolgt von Verweisen auf die Bibel (Kain und Abel), das Kino (Bette Davis), die Literatur von Shakespeare (Ophelia) bis Hugo (Der Glöckner von Notre Dame), Kinderreime (Aschenputtel) und vieles mehr.
In der Form einer weitschweifigen, nicht ganz freien Strophe ist es ein Lied, das zurückgibt, was man in es hineinsteckt, und wir nehmen mit jedem Anhören immer mehr daraus mit.
Traurige Dame aus den Lowlands
„Sad Eyed Lady of the Lowlands“, ein weiteres weitschweifiges Epos von Bob Dylan, dauert knapp 11,5 Minuten und wirkt wie eine Beat-Nacherzählung der Verse aus Salomons Hohelied im 20. Jahrhundert .
Zur Frage, um wen es in dem Song geht: Dylan selbst bestätigte, dass der Song für seine damalige Frau Sara bestimmt sei, die er drei Monate vor der Aufnahme des Songs geheiratet hatte, wobei der Titel eine Anspielung auf ihren ersten Ehenamen Sara Lownds sei.
Das einzige Problem war, dass er es in einem Song auf , Sara‘ von Desire sagte („Stayin‘ up for days in the Chelsea Hotel, Writin‘ ,Sad-Eyed Lady of the Lowlands‘ for you“), und wie wir bereits aus ,Hurricane‘ vom gleichen Album wissen, ist Bob nicht immer der zuverlässigste Erzähler der Welt.
Joan Baez soll gedacht haben, dass das Lied von ihr handelt. Sie hatte seit den 1950er Jahren ein Lied namens „Lowlands“ gespielt (man kann es auf dem Album „Round Harvard Square“ der Folksingers von 1959 hören) und coverte später „Sad Eyed Lady…“ auf ihrem eigenen Double-Dylan-Coveralbum „ Any Day Now“ von 1968.
Unabhängig davon, um wen es geht, war das Lied ein atemberaubender Abschluss der Bob Dylan-Ära und nahm als letzter Song von „Blonde on Blonde“ eine ganze Vinylseite ein .
Herr Tamburin-Mann
Wie bei „My Back Pages“ gibt es viele, die sich für die leichter zugängliche Version von „Mr Tambourine Man “ der Byrds entscheiden werden .
Ihr flotter Folkrock-Klassiker dauerte weniger als zweieinhalb Minuten und war ein Chart-Hit, aber Dylans fünfeinhalbminütiges Original steht ihm in nichts nach und mit seinen vier vollständigen Versen purer Poesie – während die Byrds nur einen einzigen verwenden – bleibt es wohl immer noch auf dem neuesten Stand.
Die Eröffnungsseite der zweiten „akustischen“ Seite von Bringing It All Back Home führt Dylan etwas zurück zum Sound seiner vorherigen Alben, treibt die Dinge aber sowohl musikalisch als auch textlich noch immer in eine psychedelische Landschaft vor („Though you might hear laughing, spinning, swinging madly across the sun“).
Geht es um Drogen? Naja. Möglicherweise. Vielleicht nicht. Vielleicht teilweise. (Dylan hat nein gesagt.) Aber es geht auch um so viel mehr als das, und herauszufinden, was das ist, macht einen großen Teil des Spaßes aus.
Maggies Farm
Die Apotheose der gesamten „Dylan Goes Electric“-Kontroverse war sicherlich der „Judas“-Ruf vor „Like A Rolling Stone“ in der Royal Albert Hall in London und der Free Trade Hall in Manchester, aber für uns kam der Schlüsselmoment schon etwas früher.
Nach seinem Auftritt beim Newport Folk Festival 1963 wurde Dylan als Held gefeiert, doch nach seinem Auftritt 1964 gab es erneut Vorbehalte hinsichtlich seines pharmakologischen Zustands.
Am 24. Juli 1965 spielte er bei einer Workshop-Show in Newport ein Trio akustischer Lieder, traf jedoch die folgenschwere Entscheidung, am folgenden Abend ein komplett elektrisches Set zu spielen.
Fünf Tage nach der Veröffentlichung der Single „Like a Rolling Stone“ und eingekeilt zwischen den traditionellen Folk-Musikern Cousin Emmy und den Sea Island Singers, legte Dylan mit seiner Begleitband los.
Die Gruppe hatte erst am Vorabend geprobt und bestand aus Mike Bloomfield an der Leadgitarre, seinen Bandkollegen von der Paul Butterfield Blues Band, dem Bassisten Jerome Arnold und dem Schlagzeuger Sam Lay, sowie Al Kooper an der Orgel und Barry Goldberg am Klavier.
Sie begannen mit „Maggie’s Farm“, das in atemberaubendem Tempo und Lautstärke gespielt wurde, durchgehend mit atemberaubender Rock’n’Roll-Gitarre und Harmonien, und es war ein Moment, der die Musik für immer veränderte. Die Hälfte der Folk-Fans liebte es, die andere Hälfte hasste es. Die Leute buhten. Sie gingen geschockt und angewidert vom Platz.
Nach einem Set mit drei Liedern verließ er die Bühne, wurde jedoch dazu überredet, für ein paar Akustiknummern zurückzukommen. Er kam jedoch erst 2002 wieder nach Newport zurück.
Selbst in seiner weniger hektischen Form ist die Plattenversion von „Maggie’s Farm“, die nur zehn Tage zuvor für Bringing It All Back Home im Studio aufgenommen und anscheinend in nur einem Take perfektioniert worden war, ein stampfender elektrischer Bluesrock-Klassiker.
Liebeskrank
„Time Out Of Mind“ ist das Album, dem Bob Dylan bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1997 wieder als „aktueller“ Plattenkünstler ins Rampenlicht gerückt hat.
Im Laufe der Jahre gab es immer wieder Beschwerden, oft über die atmosphärische Produktion von Daniel Lanois, aber es gibt Momente auf dem Album, wo der Sound der unglaublichen Qualität des Songwritings absolut entspricht.
Einer dieser Momente ist der Eröffnungstrack „Love Sick“, eine herrlich düstere Hymne auf Liebeskummer („Ich habe die Liebe satt, ich wünschte, ich hätte dich nie getroffen“), die Ihnen von Anfang an klar macht, dass Sie mit diesem Album etwas Besonderes erwartet.
Dieses Rad brennt
Am 10. März 1966 beendete Bob Dylan die Aufnahmen zu „Blonde on Blonde“ , dem letzten Teil seiner unvergleichlichen, innovativen Trilogie von Alben aus der Mitte der 60er Jahre, und das Album wurde am 20. Juni veröffentlicht.
Etwas mehr als einen Monat später, am 29. Juli, verunglückte Dylan mit seinem Motorrad in der Nähe seines Hauses in Woodstock, New York. Er brauchte eine Auszeit, um sich zu erholen und – was vielleicht noch wichtiger war – einen Moment Ruhe, um Bilanz zu ziehen.
Ehrlich gesagt, er machte kaum eine Pause, aber trotzdem änderte sich alles. Und bevor er die Rückkehr zur Akustik-Platte John Wesley Harding aufnahm , verschanzte er sich mit seinen Kumpels The Band zunächst in Woodstock und später im Keller von Big Pink
Eine Auswahl der Songs wurde schließlich in zahlreichen Raubkopien (mit einigen umstrittenen Overdubbing-Aufnahmen und, was noch umstrittener war, ergänzt durch einige zeitgenössische, aber nicht wirklich „Basement“-Band-Aufnahmen ohne Dylan) im Jahr 1975 unter dem Titel The Basement Tapes veröffentlicht .
Alle Aufnahmen wurden 2014 als gefeierte „ The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete“ veröffentlicht , viele der besten Songs darauf waren jedoch schon damals bekannt, insbesondere der Abschlussklassiker „The Wheel’s On Fire“ der Original- Basement Tapes , der von Dylan und Rob Danko gemeinsam geschrieben wurde.
Die Band veröffentlichte bereits 1968 ihre eigene Version von „Music from Big Pink“ und wurde unvergessliche Coverversionen von Künstlern wie Julie Driscoll, The Byrds, Siouxsie and the Banshees, Julie Driscoll (erneut) und Adrian Edmondson für „Absolutely Fabulous“ gegeben.
Aber es ist Dylans herrlich dahinrollende Version der Basement Tapes, zu der wir immer wieder zurückkehren.
Mädchen aus dem Norden
The Freewheelin‘ Bob Dylan wird oft für seine politischsten Songs wie „Blowin‘ in the Wind“ und „A Hard Rain’s a-Gonna Fall“ gelobt, beherbergt aber auch einige seiner schönsten und unkompliziertesten Liebeslieder.
„Girl From The North Country“ wurde offenbar geschrieben, als Bob 1962 in England war.
In Großbritannien hing er mit unseren lokalen Folk-Musikern herum und hatte es besonders auf Martin Carthy abgesehen, der ihn in unsere reiche Folk-Tradition einführte, einschließlich seiner eigenen Bearbeitung von „Scarborough Fair“, einem Song, der später durch Simon & Garfunkel noch bekannter wurde .
Er verwendete dieses Arrangement und sogar einen Textausschnitt für sein eigenes „Girl From The North Country“, das vermutlich von seiner damaligen Ex-Freundin Suze Rotolo vor ihrer Versöhnung inspiriert war.
Um wen es auch geht, es ist ein wunderschönes, sanftes Arrangement, das zeigt, wie romantisch und liebevoll Bob als Songwriter sein konnte.
1969 nahm er das Lied für sein Album „Nashville Skyline “ als Duett mit Johnny Cash wieder auf , und auch wenn die erste Version wahrscheinlich die Nase vorn hat, ist dieses Lied Dylans überzeugendste Interpretation seines kurzlebigen Country-Songs.
Klopfe an der Türe zum Himmel
„Knockin‘ on Heaven‘s Door“ stammt aus dem Soundtrack von „Pat Garrett und Billy the Kid“ von 1973 und mit Roger McGuinn von The Byrds an der Gitarre. Es ist ein wunderschönes, einfaches Lied, das perfekt zum Film passt, aber auch völlig außerhalb dieses Kontexts funktioniert und überlebt.
Dylans Stimme hat genau das richtige Maß an Knistern und Knistern, um die Emotionen des Ganzen rüberzubringen, und die Hintergrundgesänge von Carol Hunter, Donna Wiess und Brenda Patterson verleihen ihr das gewisse Etwas.
Es wurde zigfach gecovert, und Guns N’ Roses haben den Song mehrere Male wieder aufgegriffen. Eine Live-Aufnahme war auf der B-Seite von „Welcome to the Jungle“, bevor sie ihn im Studio für den Days of Thunder -Soundtrack und ihr eigenes Use Your Illusion II aufnahmen .
Unterirdischer Heimweh-Blues
Wir haben bereits über Absichtserklärungen gesprochen, und härter als der erste Titel auf Seite eins von „ Bringing It All Back Home“ geht es nicht.
Vor „Like A Rolling Stone“ und dem bahnbrechenden Auftritt in Newport sowie der umstrittenen Welttournee 1965–66 („JUDAS!“) wurde der Weg mit dem elektrisierenden Crossover der ersten Hälfte dieses Albums geebnet.
Den Auftakt machte dieser Folk-Country-Rock-Blues-Scat-Proto-Hip-Hop-Beat-Stampfer. Er war weniger offen „politisch“ als Bobs frühe Werke, aber voller Anspielungen auf die aufkeimende Gegenkulturszene, in deren Mittelpunkt er bald stehen sollte.
Das von DA Pennebaker inszenierte Musikvideo war nicht nur ein textlich und musikalisch einflussreiches Stück, sondern auch eine ebenso bahnbrechende Arbeit, wobei Bob nicht einmal vorgab, den Song zu mimen.
Die Zeiten ändern sich’
Wir haben oft darüber gesprochen, wie sehr es Bob Dylan ärgerte, dass er in eine Schublade als „Protest-Sänger“, „politischer Folk-Musiker“ und, ja, „Sprecher einer Generation“ gesteckt wurde. Doch es ist leicht zu verstehen, warum sich junge Menschen in einer so turbulenten Zeit der Sozial- und Kulturgeschichte so zu einem Liedermacher und Künstler wie Bob Dylan hingezogen fühlten.
Nach seinen eher allgemeinen, folkigen Anfängen bewegte er sich mit „Freewheelin‘“ in Richtung Protestmusik, bevor er sich dieser mit „The Times They Are a-Changin‘“ ganz hingab . Sein erstes Album besteht ausschließlich aus selbst geschriebenen Songs, die sich meist mit sozialen und politischen Themen befassten.
Der Titelsong war das deutlichste Beispiel. Ja, Bob hatte die Etiketten bald satt, aber mit diesem Song schien er sie geradezu einzuladen, mit diesem Aufruf zu den Waffen („Come gather ’round people/ Wherever you roam“), der an die Bergpredigt zu erinnern schien („For the loser now/ Will be later to win“).
Nichts davon wäre auch nur das Geringste auszumachen, wenn die Musik genauso druckvoll, kraftvoll und – trotz Dylans nasalem Marmite-Gejammer (wir lieben es) – auch absolut melodisch wäre.
Verwirrt in Blau
Der Eröffnungssong von Blood on the Tracks wirkt wie eine stürmische Absichtserklärung. Es wird behauptet, dass der Song von Joni Mitchells damaligem Meisterwerk Blue inspiriert wurde, sowie von Bobs jüngster Tournee mit The Band und seiner Trennung von seiner Frau Sara.
Der Text ist ein passend verworrener Wirbel aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Von Begegnung, Trennung und Wiedervereinigung. Er wurde unzählige Male umgeschrieben und verschiedene Versionen erschienen schließlich auf der Bootleg Series Vol. 14: More Blood, More Tracks.
Und man muss Bobs weniger bekanntem Bruder David Zimmerman zugutehalten, dass er für den eingängigen, kommerziellen Sound des Songs und des gesamten Albums verantwortlich ist, da er Dylan in diese Richtung drängte und sogar als nicht namentlich genannter Produzent des Stücks auftrat.
Im Wind wehend
Nach dem oft vergessenen „Mixed-Up Confusion“ veröffentlichte Bob Dylan „Blowin‘ in the Wind“, den Folk-Protestsong, der seine ersten Erfolge zusammenfassen sollte, bevor er schließlich das Etikett „Sprecher einer Generation“ abschüttelte, das ihn so sehr ärgerte melia mcenery.
Die Melodie war dem alten Spiritual „No More Auction Block/We Shall Overcome“ abgekupfert, aber Dylans wahrhaft poetischer Text („Ja, und wie viele Jahre muss ein Berg existieren, bevor er ins Meer gespült wird?“) machte das Lied zu seinem ganz eigenen.
Wie ein rollender Stein
Beim Schreiben dieser Liste haben wir dieses Lied bereits mehrmals erwähnt und dafür gibt es einen sehr guten Grund.
„Like a Rolling Stone“ ist einer der wichtigsten Songs in der Geschichte des Rock ’n‘ Roll und einer der besten.
Es ist die ultimative Fusion aus Folk, Rock, Pop, Blues und Texten als Poesie. Vor einer Aufführung dieses Lieds in Manchester ließ Dylan die Judas-Kritiker so mühelos abblitzen („Ich glaube dir nicht … du bist ein Lügner! Spiel es verdammt laut“).
Hier zeigt sich Bob in seiner provokantesten und konfrontativsten Form, wobei die Worte offenbar sage und schreibe zehn oder zwanzig Seiten wirrer Verse entnommen sind, die auf das Papier gequetscht wurden.
Seine Referenzen und Anspielungen haben Dylanologen jahrzehntelang beschäftigt, doch trotz der wundersamen Dichte der Texte ist es die Kombination dieser mystischen und mysteriösen Worte mit der unverblümten Kraft seines Sounds, die „Like A Rolling Stone“ zu einem solchen Meisterwerk macht.
Zu den Künstlern auf der Aufnahme gehörten der Chicagoer Bluesmusiker Mike Bloomfield und der junge Al Kooper, dessen Wechsel in letzter Minute zur Hammondorgel bei Produzent Tom Wilson für Aufsehen sorgte, Bob jedoch ins Schwärmen brachte.
Sie können die Magie auf The Bootleg Series Vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 hören , das 20 Titel mit einer Gesamtlänge von 65 Minuten und 21 Sekunden und allen Takes enthält. Oder legen Sie einfach die fertige Version auf und spielen Sie sie verdammt laut.